Catégorie : Culture

Figure majeure de la photo de mode de ces 50 dernières années, Paolo Roversi a collaboré avec les plus grands créateurs de mode, immortalisé les mannequins les plus célèbres. Artiste à la signature reconnaissable dès le premier regard, il se renouvelle en permanence, affinant un langage photographique qui lui est propre, cliché après cliché. L’exposition du Palais Galliera est la première monographie qui lui est consacrée. Il était temps !

Paolo Roversi – le photographe

Paolo Roversi est né à Ravenne, en Italie. C’est là que tout commence comme il le dit lui-même. « Ma première lanterna magica, c’était ma chambre à coucher à Ravenne où les lumières qui entraient par les persiennes formaient sur le plafond et les murs des figures fantomatiques et mystérieuses ». Depuis ce studio de fortune à son studio professionnel à Paris où il vit, Paolo Roversi ne cesse de se chercher pour créer son propre style. Grand admirateur de Man Ray, il s’inspire de ses manipulations de négatifs et de ses jeux avec la lumière. De fait, la lumière est au coeur de la technique de Paolo Roversi.

Au début des années 80, il découvre le Polaroïd qu’il adopte immédiatement, explorant son côté artisanal et aléatoire. Il continuera à l’utiliser jusqu’à la disparition de la marque. Mais c’est l’éclairage à la lampe torche qui deviendra sa signature après sa première utilisation en 1997 pour la collection printemps-été de « Comme des garçons » .

Paolo Roversi – l’exposition

Le Palais Galliera détient une impressionnante collection de photographies. Pourtant peu d’expositions photo y ont été proposées à ce jour. Pour cette rétrospective de Paolo Roversi, la commissaire et le photographe ont collaboré durant plusieurs années. Paolo Roversi a ouvert les portes de son studio, mais aussi de ses archives, riches et parfaitement documentées.

Sylvie Lécailler, commissaire, a tout d’abord tenté de poser des repères chronologiques. Elle a exploré les pistes traditionnelles de la conception d’une exposition. Pour finalement imaginer avec Paolo Roversi une exposition qui lui ressemble.

Le fil directeur du parcours est donc la lumière.

On traverse l’obscurité des premières salles pour se diriger vers la grande galerie baignée des lumières diffusées au travers de la grande baie vitrée.

Pas de repères chronologique, ni de salles par couturier pour ce photographe qui a travaillé avec les plus grands. Pas même de cartel à côté de chaque photo : un livret d’explications permet de voyager entre les visages et les clichés.

Cette installation correspond à la façon dont  le photographe travaille, en silence dans le calme de son studio, créant ainsi un parcours poétique qui reflète l’évolution et le mouvement qui marquent sa longue carrière.

Exposition Paolo Roversi au Palais Galliera
Du 16 mars 2024 au 14 juillet 2024
10 Av. Pierre 1er de Serbie, 75116 Paris

L’humain est au centre même de l’oeuvre de Mark Rothko. Toutes ses toiles ont pour unique finalité de s’adresser à lui, de lui faire vivre une expérience, un voyage. Après de nombreuses années à tenter de le représenter, il estime avoir échoué à « représenter la figure humaine sans la mutiler« . Il s’oriente alors vers l’abstraction qu’il ne cessera d’inventer jusqu’à la fin de sa vie. C’est ce parcours passionnant que l’on découvre dans l’exposition Mark Rothko à la Fondation Louis Vuitton.

Mark Rothko – à Yale, rien de nouveau

Dès son plus jeune âge, Mark Rothko connait la douleur de la séparation ainsi que la difficulté à trouver sa place. Né en 1903, il est le benjamin d’une famille juive de Lettonie. Il a 10 ans lorsqu’il quitte sa terre natale quand son père décide d’émigrer aux Etats-Unis pour protéger sa famille. Puis le destin le frappe quand son père meurt brutalement un an après leur arrivée en Amérique. Sa jeune vie est d’ores et déjà jalonnée de traumatismes. Elève brillant, il reçoit une bourse qui lui permet d’intégrer la célèbre université de Yale. Pourtant, face à l’antisémitisme qui sévit déjà au sein de l’illustre institution, il abandonne ses études au bout d’un an en 1923 et s’installe à New York. Sa rencontre avec le peintre Arshile Gorky à la Parsons New School for Design sera déterminante pour son entrée en peinture.

Mark Rothko – une oeuvre

Au commencement, Mark Rothko est un peintre figuratif. Fasciné par le métro de New York et son effervescence, il le représente dans la série  « Subway scenes« . On y reconnait déjà certains codes de ce qui sera la signature de ses oeuvres à venir.

Peinture plane, absence de perspective, formes géométriques sont les éléments centraux déjà identifiables.

Après une période durant laquelle il s’essaie à la mythologie grecque, au début des années 40 Mark Rothko cesse de peindre pendant un an. Il écrit alors un livre qui pose les fondements de sa pensée artistique. Découvert par son fils 20 ans après sa mort, l’ouvrage sera publié sous le titre de « the artist’s reality« .

Dès la fin des années 40 il balaie toute référence au passé dans ses oeuvres. Verticalité et abstraction, absence de cadre, absence de titre, laissent ainsi la place entière à la peinture elle même. Sa volonté absolue est de toucher le spectateur par une peinture « poignante comme de la musique ». Musique qu’il écoute d’ailleurs toujours en peignant, principalement des oeuvres de Mozart.

Des « multiformes » aux « classiques« , il dit ses toiles peuplées d’organismes. Afin d’atteindre le niveau de profondeur et d’émotion qu’il souhaite, Rothko crée ses propres peintures, qu’il affine et qu’il dilue pour superposer de multiples couches fines,  donnant ce ressenti de profondeur réel. Ses toiles classiques apparaissent au début des années 50 et seront sa signature jusqu’à la fin de sa vie.

Mark Rothko – l’exposition

Alors que l’on connaît surtout les « classiques » du peintre, l’exposition propose un voyage intégral au coeur de son oeuvre. Les tableaux sont présentés chronologiquement, chaque salle étant dédiée aux périodes clés de l’artiste.

On commence ainsi par ses oeuvres figuratives. Viennent ensuite les multiformes et enfin les classiques.

Au fur et à mesure des galeries, on découvre l’évolution artistique, la modification des formats, l’exploration des couleurs. L’agrandissement de ses toiles permet une expérience immersive, le spectateur étant littéralement happé par l’oeuvre et ses couleurs.

Alors qu’il revendique ne pas être intéressé par la couleur mais par la lumière ( « la couleur n’est pas ce qui m’intéresse. Ce que je recherche c’est la lumière »), on le qualifie de coloriste. Sa peinture va s’obscurcir, sans qu’il abandonne pour autant les teintes vives. Les Blackforms de la galerie 6 en sont une illustration.

Ou encore, dans la galerie 10, la dernière série des « Black and Grey », présentée en écho à de superbes statues de Giacometti.

La couleur sera néanmoins présente jusqu’à son dernier souffle puisqu’il se suicidera face à une ses monochromes aux rouges flamboyants.

 

Exposition Mark Rothko du 18 octobre 2023 au 2 avril 2024

Fondation Louis Vuitton 8 Av. du Mahatma Gandhi, 75116 Paris